„And Just Like That“ verzichtet auf Predigten und wird zum süchtig machenden Fernsehsender

Die zweite Staffel endet am 24. August mit einem Cameo-Auftritt von Samantha Jones

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„Wissen Sie, wo Ihre Kinder sind?“ Der New Yorker Fernsehsender WNYW befragt jeden Abend die Eltern seines Publikums.

Für Charlotte York Goldenblatt (Kristin Davis) und Lisa Todd Wexley (Nicole Ari Parker), zwei der Hauptfiguren der zweiten Staffel von „And Just Like That“ (AJLT), dem „Sex and the City“, ist das kein Grund zur Sorge ”-Neustart, der bis zum 24. August wöchentlich auf Max ausgestrahlt wird. Ihre Kinder (vom Grundschulkind bis zum Teenager) sind sicher in einem noblen Sommercamp untergebracht. Während ihre Sprösslinge weg sind, hat Charlotte, die damals eine Kunstgalerie betrieb, am 4. Juli mit ihrem Ehemann Harry (Evan Handler), einem äußerst erfolgreichen Scheidungsanwalt, so guten Sex, dass es wie ein Feuerwerk ist.

Lisa, eine angesehene Dokumentarfilmerin, und ihr Ehemann Herbert (Christopher Jackson), ein wohlhabender Investmentbanker, der darüber nachdenkt, für das Amt des Rechnungsprüfers in New York City zu kandidieren, widmen sich ganz ihrer Arbeit. Und das seltene Vergnügen zu genießen, alleine (ohne Kinder) in einer schicken Bar etwas zu trinken.

Unterdessen weiß die Unternehmensanwältin Miranda Hobbes (Cynthia Nixon), die sich zur Menschenrechtsanwältin entwickelt hat, nur allzu gut, wo ihr Sohn Brady (Niall Cunningham) ist. Er lebt mit Steve (David Eigenberg), seinem Vater, in ihrem Stadthaus in Brooklyn. Mirandas Beziehung mit Che Diaz (Sara Ramirez), einer nicht-binären, bisexuellen, mexikanisch-irischen Komikerin, die mit Tony Danza (der sich selbst spielt) einen TV-Sitcom-Pilot dreht, hat Miranda, Steve und Brady in die Therapie gebracht.

Carrie Bradshaw, Schriftstellerin (Sarah Jessica Parker), Seema Patel, eine angesagte Immobilienmaklerin (Sarita Choudhury) und Dr. voller Kummer, Sex und Trauer um gestohlene Birken-Taschen, dass sie keine Zeit für Kinder haben würden. Nya lässt sich nach vielen Jahren Ehe von ihrem Musiker-Ehemann Andre Rashad (LeRoy McClain) scheiden, weil er Kinder will, sie aber nicht.

Ja! Es ist Sommer in der Stadt, „And Just Like That“, die tollen Damen sind zurück! Mit weniger Brutzeln als in „Sex and the City“, aber trotzdem unterhaltsam anzusehen. Ganz gleich, wie sehr sich die Autoren auch bemühen, keine der vielen zusätzlichen Charaktere konnte das Fehlen von Samantha Jones wettmachen, der absolut fabelhaften PR-Expertin, die ein wesentlicher Bestandteil von „Sex and the City“ war. Selbst die hochtalentierte Samantha Irby, eine bisexuelle Produzentin und Autorin von AJLT, konnte keine so fesselnde Figur wie Samantha erschaffen, die in der letzten Folge einen Cameo-Auftritt haben soll.

Aber die zweite Staffel von „And Just Like That“ hat ihren Anteil an Stil und Saftigkeit. Wie kann man einer Serie widerstehen, die uns in den bisher sieben ausgestrahlten Folgen eine (fiktive) Met-Gala und eine „Spermaschlampe“ beschert hat?

In der ersten Staffel von AJLT wurde viel Zeit darauf verwendet, „Sex and the City“ (SATC) abwechslungsreicher zu gestalten.

Es ist in vielerlei Hinsicht gelungen. Che, Seema, Lisa und Nya, die neuen farbigen Charaktere, haben faszinierende Geschichten. Die Chemie zwischen ihnen und den originalen SATC-Charakteren stimmt. Dennoch fühlte es sich manchmal schwerfällig und freudlos an.

Die aktuelle Staffel der Show verzichtet größtenteils auf die Darstellung und Belehrung der ersten Staffel. In dieser Staffel sind Sex und Glamour-Mode zurück in der Stadt.

Die Folge von „AJLT“, in der Charlotte Harrys Kegel-Trainer wird, um ihm bei seinen „Staubkugeln“ zu helfen, wenn er nicht ejakulieren kann, und Carrie von „Casper, dem freundlichen Sperma“ spricht, ist fast so gut wie SATCs „funky Spunk“ Folge.

Die Frauen bei AJLT sind fabelhaft. Aber einer der unterhaltsamsten Charaktere ist Anthony Marantino (Mario Cantone), der die Bäckerei Hot Fellas betreibt. In einer urkomischen Szene wendet er sich an seine beste Freundin Charlotte, als er unbedingt einen heißen Kerl finden muss, der mit ihm in Drew Barrymores Talkshow auftritt. Da es sich um AJLT handelt, findet Charlotte sofort einen heißen italienischen Dichter, der genau das Richtige für sie ist. In seiner Hot-Fellas-Uniform ist das „Paket“ des Dichters so großartig, dass Barrymore bei seinem Anblick ins Schwitzen kommt.

In einer anderen Szene muss Lisa, die ein Kleid (entworfen von Valentino) mit einer riesigen Schleppe trägt, die nicht in ein Taxi passt, 10 Blocks zur Met Gala laufen. „Es ist nicht verrückt“, sagt sie zu Herbert, der ihre Schleppe hält, „Es ist Valentino.“

„And Just Like That“ ist kein Prestigefernsehen. Es ist noch wichtiger: Es ist süchtig machende Unterhaltung.

LGBTQ-Kritiker geben Gewinner der Dorian TV Awards bekannt

Billy Eichner ist bereit, Filmgeschichte zu schreiben

Die erste Staffel von „And Just Like That“ ist zu Ende

„And Just Like That“ ist klobig, aber vielversprechend

Wanda Sykes und Jennifer Coolidge unter den Preisträgern

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Sie erhalten nicht so viel Aufsehen wie die Emmys, aber die Dorian TV Awards – jährlich verliehen von GALECA: The Society of LGBTQ Entertainment Critics – bieten seit anderthalb Jahrzehnten eine wichtige queere Perspektive auf die besten Fernsehsendungen des Jahres , und sie haben gerade ihre letzte Runde der Champions ausgewählt.

Am 26. Juni gab GALECA eine Gewinnerliste für die 15. jährlichen Dorian TV Awards bekannt, die eine ausgewogene Mischung aus hochkarätigen Hits und unter dem Radar liegenden Juwelen darstellte. HBOs letzte Staffel von „Succession“ war ein Gewinner und gewann den Preis für das beste Drama, während Serienstar Sarah Snook den Preis für die beste Dramaleistung gewann. ABCs „Abbott Elementary“, die viel gelobte Mockumentary von Star Quinta Brunson über eine Clique idealistischer Schullehrer aus Philadelphia, wurde als beste Comedy-Serie ausgezeichnet.

Viele andere Auszeichnungen entsprachen vielleicht weniger den Mainstream-Prioritäten Hollywoods und gingen an eine Reihe von unterbeachteten herausragenden Persönlichkeiten. Amazon Freevees kühne Streichshow „Jury Duty“ wurde zur besten Reality-Show gekürt, während Max‘ absurd bissige Showbiz-Satire (und leider inzwischen abgesetzt) ​​„The Other Two“ als beste LGBTQ-TV-Show gewann und die HBO-Komödien „Somebody, Somewhere“ und „ „Los Espookys“ wurde als beste unbesungene TV-Show bzw. beste nicht-englischsprachige Show ausgezeichnet. Regisseur Andrew Ahns filmischer Film „Fire Island“, Hulus kluge, queere Variante von Jane Austens „Pride and Prejudice“ aus der Feder von Star Joel Kim Booster, wurde als bester Fernsehfilm oder beste Miniserie ausgezeichnet.

Die GALECA-Wähler schienen in den meisten Leistungskategorien trockene, aber witzige Frauen zu bevorzugen; Bridget Everett von „Somebody, Somewhere“ wurde als beste Comedy-Hauptdarstellerin ausgezeichnet, Jennifer Coolidge für die beste Drama-Nebendarbietung für ihre sofort ikonische Rückkehr zu „The White Lotus“ und Ayo Edebiri von FX in Hulus Restaurantkomödie „The Bear“ für die beste Nebenrolle Comedy-Aufführung. Der Trend erstreckte sich auch auf den Preis für die beste TV-Musical-Darbietung, der an Ariana DeBose für ihre gut gemeinte, aber kontroverse Rap-Hommage an Angela Bassett und andere Nominierte bei den BAFTA Film Awards im vergangenen März ging.

Weitere bemerkenswerte Siege: Die (ebenfalls kürzlich abgesetzte) Showtime-Serie „ZIWE“ des Satirikers Ziwe Fumudoh, eine Mischung aus Kommentaren, Sketchen und aktuellen Interviews, erhielt den Dorian für die beste Show zum aktuellen Zeitgeschehen – ihr dritter Sieg in dieser Kategorie; Die weibliche Superheldenserie „Harley Quinn“ von HBO Max wurde als beste Animationssendung ausgezeichnet.

Horror war ebenfalls ein Dauerthema, wobei Shudders Dokumentarfilm „Queer for Fear: The History of Queer Horror“ (von TV-Mastermind Bryan Fuller) die Dorians sowohl für die beste TV-Dokumentation als auch für die beste LGBTQ-Dokumentation gewann, und HBOs apokalyptische limitierte Serie „The Last of“. Us“ beeindruckte die GALECA-Wähler als visuell beeindruckendste TV-Show des Jahres.

Staffel 2 der Musical-Parodie „Schmigadoon!“ auf Apple TV+ wurde zur Campiest TV Show gekürt, eine Auszeichnung, die es nur bei den Dorianern gibt, obwohl das vielleicht selbstverständlich ist.

Als weitere Ehrung bescherte die GALECA-Mitgliedschaft Coolidge einen weiteren Sieg, indem sie sie zur TV-Ikone des Jahres ernannte, eine Auszeichnung, zu deren früheren Preisträgern Christine Baranski und Cassandra Peterson (alias Elvira) gehören. Elliot Page, dessen Superheldenfigur Viktor Hargreeves sich in der neuesten Folge von Netflixs „The Umbrella Academy“ als Transsexueller outete, wurde zum LGBTQIA+ TV Trailblazer des Jahres ernannt, eine Auszeichnung, die an Unterhaltungspersönlichkeiten verliehen wird, die „Kunst schaffen, die Empathie, Wahrheit und … inspiriert“. Eigenkapital." Er reiht sich in die Riege der ehemaligen Gewinner Michaela Jaé Rodriguez und Jerrod Carmichael ein.

Der Wilde Wit Award, der von GALECA für „eine Darstellerin, Autorin oder Kommentatorin, deren Beobachtungen sowohl herausfordernd als auch amüsant sind“, verliehen wurde, ging an Wanda Sykes, die ehrwürdige Komikerin, deren Jahrgang unvergessliche Rollen in „The Other Two“, Hulus „History of the“ beinhaltete World: Part II“ und „The Upshaws“ auf Netflix sowie die Synchronisierung einer Figur in „Velma“ von HBO Max. Nach all dem triumphierte sie mit einem Netflix-Stand-up-Special – „Wanda Sykes: I'm an Entertainer“, in dem sie alle ausschaltet, von Kyrsten Sinema bis zu den MAGA-Konservativen, die Angst vor der Critical Race Theory haben.

Es ist erwähnenswert, dass von den 18 Programmkategorien HBO (und Max) neun gewannen, wobei Hulu (einschließlich FX auf Hulu) und Shudder jeweils zwei gewannen – ein klarer Sieg für Streaming-Plattformen über das traditionelle Netzwerkfernsehen.

Für diejenigen, die mit den Dorianern nicht vertraut sind: GALECA (ursprünglich 2009 gegründet) ehrt neben seinen TV-Preisen auch die besten Filme und – ab diesem Jahr – Broadway- und Off-Broadway-Theater. Sie würdigen zu unterschiedlichen Zeiten im Jahr herausragende Leistungen in diesen drei Bereichen und werden von einem Abstimmungsgremium aus über 480 aktiven Kritikern und Journalisten gleichermaßen aus Mainstream- und queer+-Inhalten ausgewählt. Über die Dorians versucht die Gruppe, „Mobber, Fanatiker und die derzeit bedrängten LGBTQ-Gemeinschaften der Gesellschaft daran zu erinnern, dass die Welt den Q+-Auge auf alles in der Unterhaltungsbranche schon lange zu schätzen weiß – nicht nur auf Haare und Kleidung.“ Die Organisation setzt sich außerdem für bessere Bezahlung, Zugang und Respekt für ihre Mitglieder ein, insbesondere für diejenigen in ihren am stärksten unterrepräsentierten Segmenten, und sponsert die Crimson Honors, einen öffentlichen Hochschulkritikwettbewerb für Frauen oder nicht-binäre Studenten im QTBIPOC-Regenbogen, der Stipendiengelder aus Filmen vergibt und TV-Rezensionsaggregat Rotten Tomatoes.

Unterhaltungs- und Medienfans können mehr erfahren und die Mitglieder und Anliegen von GALECA unterstützen, indem sie @dorianawards auf Twitter, Facebook und Instagram folgen – und natürlich indem sie GALECA.org besuchen.

PBS-Dokument erzählt eine Geschichte der LGBTQ-Geschichte, die lange Zeit unsichtbar war

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In den 1950er und 1960er Jahren konnte es passieren, dass Sie Ihren Job verlieren, von Ihren Nachbarn verachtet, verhaftet und/oder in einer Anstalt untergebracht werden, wenn Sie sich in der Öffentlichkeit offen als Transgender oder Cross-Dressing benehmen.

Doch während dieser drakonischen Anti-Queer-Zeit fand ein Untergrundnetzwerk aus Transgender-Frauen und Cross-Dressing-Männern einen sicheren Zufluchtsort in einem bescheidenen Haus in den Catskills in New York. Für ein paar Tage konnten sie in diesem Haus namens Casa Susanna wohnen. Dort konnten sie ihre Träume verwirklichen und ihr wahres Selbst entdecken. In einer seltenen Pause vom Verstecken konnten sie andere Menschen wie sie selbst treffen; und als Frauen leben und sich kleiden.

„Casa Susanna“, ein fesselnder, bewegender Dokumentarfilm, der am 27. Juni auf PBSs „American Experience“ ausgestrahlt wurde, bietet einen aufschlussreichen Einblick in dieses Untergrundnetzwerk. Die Dokumentation unter der Regie des Filmemachers Sebastian Lifshitz („Wild Side“, „Little Girl“) und der ausführenden Produzentin Cameo George erzählt die Geschichte eines Kapitels der LGBTQ-Geschichte, das lange Zeit unsichtbar war. „Casa Susanna“ wird bis zum 26. Juli auf PBS-Plattformen, einschließlich pbs.org und der PBS-App, gestreamt.

Der Dokumentarfilm erzählt seine Geschichte anhand zahlreicher Farbfotos der Menschen, die in der Casa Susanna Zuflucht suchten, sowie anhand von Archivmaterial und persönlichen Erinnerungen.

Die Fotos vom Leben in Casa Susanna wurden von den Sammlern Michael Hurst und Robert Swope auf einem New Yorker Flohmarkt gefunden. Im Jahr 2005 veröffentlichten Hurst und Swope die Fotos in einem Buch mit dem Titel „Casa Susanna“.

Die Queer-Ikone Harvey Fierstein schrieb ein Stück „Casa Valentina“, das von Casa Susanna inspiriert wurde. Das Stück wurde 2014 am Broadway aufgeführt.

In der Dokumentation erfahren wir von vier Menschen, die Mitte des Jahrhunderts dort waren, wie das queere Leben in der Casa Susanna war.

Dies ist kein rasantes, actiongeladenes Dokument. Aber es ist alles andere als ein „lehrbarer Moment“. „Casa Susanna“ zu sehen ist, als würde man Fotos längst verlorener Verwandter sehen.

Das langsame Tempo der 137-minütigen Dokumentation besticht. „Casa Susanna“ besteht jetzt nur noch aus ein paar leeren Gebäuden. Aber in seiner Blütezeit pulsierte es vor Queers.

An anderen Orten in den Catskills unterhielten heterosexuelle Borschtsch-Gürtel-Comedians. Im Casa Susanna traten Transfrauen und Cross-Dressing-Männer auf. Nicht immer als Showbiz-Stars. Oft kleideten sie sich so, wie sie sein wollten: normale Frauen wie Hausfrauen.

Die bewegendste Geschichte ist die der neunzigjährigen Katherine Cummings. Zu Beginn des Films besucht Cummings, eine Transfrau, die alten Gebäude der Casa Susanna. Obwohl nur die Fassaden leerer Gebäude zu sehen sind, erkennt sie das Theater, in dem Jahrzehnte zuvor Transfrauen und Cross-Dressing-Männer aufgetreten sind. Cummings wurde 1935 in Schottland geboren und wuchs in Australien auf. Als Mann geboren, zog sie nach Toronto. Von dort aus ging sie zur Casa Susanna, um Menschen wie sie selbst zu treffen. Während sie als Mann lebte, wurde sie John genannt. Als John heiratete sie und bekam drei Kinder. Cummings starb im Jahr 2022. Der Dokumentarfilm ist ihr gewidmet.

„Früher waren die Menschen gerne hier“, sagt Cummings, „sie hatten völlige Freiheit. Eine totale Chance, sie selbst zu sein.“

Eine andere Älteste, Diana Merry-Shapiro, eine 1939 geborene Transfrau, erzählt eine spannende Geschichte. Sie wurde in einer Bauernstadt in Iowa geboren und lebte später in Kalifornien und New York. Während ihres Lebens als Mann heiratete Merry-Shapiro, damals David genannt, eine Frau und war Crossdresserin. Nachdem die Ehe geschieden wurde, unterzog sie sich einer Operation zur Bestätigung des Geschlechts. Anschließend heiratete sie einen Mann. Nach dem Scheitern dieser Ehe arbeitete sie als Computerprogrammiererin bei Xerox. In den 1990er Jahren heiratete sie die Frau Carol. Das Paar lebt in New York.

Eine weitere Geschichtenerzählerin des Dokumentarfilms, Betsy Wollheim, geboren 1952, Cisgender und Präsidentin von Daw Books, ist manchmal erfrischend wütend. Ihr Vater war der Science-Fiction-Autor Donald Wollheim. Als Crossdresser ging er zusammen mit seiner Frau (Betsys Mutter) in die Casa Susanna. Dies wurde geheim gehalten, bis Betsys Mutter starb. Betsy verrät, dass ihr Vater sie manchmal missbräuchlich behandelte. Sie glaubt, dass das daran liegen könnte, dass er wegen seines Cross-Dressings geheim gehalten werden musste.

Der vierte Geschichtenerzähler, Gregory Bagarozy, ein Cisgender-Hetero-Mann, ist persönlich mit Casa Susanna verbunden. Die (inzwischen verstorbene) Marie Tonell, die zusammen mit ihrem (verstorbenen) Ehepartner Tito Arriagada das Café Susanna besaß, war Bagarozys Großmutter. Arriagada, zunächst Crossdresserin, lebte später als Transfrau namens Susanna Valenti.

Wenn Sie empfindlich auf Sprache reagieren, seien Sie gewarnt. Oft verwenden die Menschen, die in „Casa Susanna“ ihre Geschichten erzählen, Begriffe, die in den 1950er und 1960er Jahren gesagt wurden. Es werden Wörter wie „Transvestit“ und „Transsexuell“ verwendet, die heute nicht mehr verwendet werden.

Obwohl einige der Geschichtenerzähler in der Dokumentation später gleichgeschlechtliche Beziehungen führten, waren in der Casa Susanna Mitte des Jahrhunderts keine Schwulen willkommen. Dies sei Teil der extremen Homophobie der Zeit des Lavender Scare, sagt Bagaroxy.

„Casa Susanna“ ist ein faszinierendes Fenster in die verborgene queere Geschichte.

Indie-Sitcom mit langjährigem Schwulenpaar, das einander nicht ausstehen kann

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Wir alle kennen mindestens ein Paar, das scheinbar nie miteinander auskommt. Wann immer wir Zeit mit ihnen verbringen, egal zu welchem ​​Anlass oder in welchem ​​Umfeld, können sie nicht anders, als sich gegenseitig anzugreifen und jeden, der ihnen zuhört, in ihre flüchtige Dynamik hineinzuversetzen. Wir sympathisieren vielleicht mit ihnen, mögen sie oder lieben sie sogar, aber wir können es nur in kleinen Mengen ertragen, in ihrer Nähe zu sein.

Weshalb„Erstickt“Eine Indie-Sitcom über ein langjähriges schwules Paar, das einander nicht ausstehen kann und praktisch jede Minute der Leinwand damit verbringt, dies auf die hasserfüllteste Art und Weise zu sagen, klingt nach einer schrecklichen Idee.

Erstellt, geschrieben und produziert von den beiden Stars Jason Stuart und Mitch Hara, handelt es sich um die Geschichte von Ralph und Randy, einem Ehepaar im Boomer-Alter, dessen jahrzehntelange Liebe vor langer Zeit im Sande verlaufen zu sein scheint. Abgesehen davon, dass sie schwul und jüdisch sind, haben sie nicht viel gemeinsam und scheinen völlige Gegensätze zu sein. Ralph (Stuart) ist ein bedürftiger Romantiker, der immer noch an seiner Fantasie einer glücklichen Ehe für immer festhält, während Randy (Hara) ein eitler und kompromisslos oberflächlicher Serienbetrüger ist, der jede Gelegenheit eifrig nutzt, um seinen nebbigen Ehepartner mit Gift anzuspucken . Ihre Beziehung als dysfunktional zu bezeichnen, wäre leichtfertig ausgedrückt – zum einen macht es sie auch an, miteinander zu streiten, was zu einigen amüsant unangenehmen Momenten führt – aber selbst wenn das nicht der Fall wäre, wären sie immer noch unerträglich. Warum sollte jemand eine Show sehen wollen, die im Wesentlichen nur aus diesen beiden besteht, die sich gegenseitig beschimpfen?

Das ist keine hypothetische Frage, denn die Leute wollen es sehen – und zwar so sehr, dass es 2020 ein gefeierter Hit auf Amazon Prime wurde (zweifellos zum Teil aufgrund des pandemiebedingten Bedarfs an einem konstanten Strom an Unterhaltung). - barrierefreie Home-Entertainment-Inhalte), Stuarts und Haras knapp budgetierte DIY-Komödie erhielt nicht nur grünes Licht für eine zweite Staffel, sondern führte auch eine erfolgreiche GoFundMe-Kampagne durch, um sie zu liefern. Es erscheint diesen Monat auf Amazon Prime, Revry und allen großen Streaming-Diensten, mit besseren Produktionswerten und einer erweiterten Besetzung, die bekannte Gaststars umfasst.

Wie ist das also passiert? Ein Grund dafür ist sicherlich, dass die kurze Struktur der Serie – die meisten Episoden sind etwa 4 bis 10 Minuten lang – es dem Publikum ermöglicht, sie in mundgerechten Häppchen zu konsumieren und bei Bedarf zwischen den einzelnen Abschnitten Abstand zu halten. Der zweite Grund ist jedoch, dass es wahnsinnig lustig ist – was diese kleinen Pausen nicht nur unnötig, sondern auch unwahrscheinlich macht.

In der ersten Staffel etablierte „Smothered“ ein Format, bei dem die beiden antiromantischen Hauptdarsteller jede Episode damit verbrachten, ihre Differenzen vor einer ständig wechselnden Parade von Therapeuten auszusprechen – von denen keiner mehr als eine Sitzung mit ihnen durchhalten kann . Es war eine trickreiche, aber clevere Idee, die es ermöglichte, die Geschichte des Paares durch ihre beiden eigenen Filter zu erzählen und gleichzeitig eine großartige Plattform für Stuart und Hara zu bieten, deren aufwändiges verbale Auseinandersetzung wie ein Fluss aus glänzenden, aber gezackten Juwelen fließt. Ralph und Randy sind seit Beginn der ersten Folge fest als hasserfüllt bekannt und zeigen uns weiterhin, wie übertrieben ihre Hasserfülltheit ist, bis wir sie gegen unseren Willen dafür lieben.

Mit der zweiten Staffel – und einem erweiterten Budget – löst sich die Show von ihren selbst auferlegten Grenzen und wird weniger zu einer Übung in Improvisationskomödie „Variationen über ein Thema“, sondern eher einer traditionellen Sitcom ähneln. Ralph und Randy machen dort weiter, wo die letzte Staffel aufgehört hat, und sind schließlich entschlossen, sich scheiden zu lassen. Doch nach einer finanziellen Katastrophe und einem anschließenden Konflikt mit dem Gesetz können sie es sich nicht leisten. Darüber hinaus müssen sie ein Paar sein, um als Bewohner einer neuen subventionierten Wohneinrichtung für LGBTQ-Älteste in Frage zu kommen – sie sind also gezwungen, weiterhin zusammenzuleben. Es sind immer noch ein paar Therapeuten (oder in einigen Fällen Ersatztherapeuten) in der Mischung, aber dieses Mal können wir die Interaktionen des Paares mit anderen Charakteren sehen und ihr gemeinsames Leben aus erster Hand erleben, anstatt nur durch die gewitzten und witzigen Rückblicke mit dem sie ihre Paarberater in der ersten Staffel verwöhnen würden.

Es ist ein positiver Schritt, der es der Show ermöglicht, breiter zu werden und die Fallstricke zu vermeiden, die mit dem Festhalten an einer Formel mit verlockenden, aber endlichen Möglichkeiten einhergehen. Außerdem können die Charaktere dadurch vollständiger gezeichnet werden; Sie sind immer noch genauso schrecklich, aber irgendwie werden sie für uns menschlicher und nachvollziehbarer, wenn wir die Dinge mit ihnen erleben und nicht nur als Flut von komödiantischen Schnörkeln. Die Dinge, die wir in ihnen sahen und die uns an uns selbst erinnerten, waren einer der Gründe, warum wir in der ersten Staffel über sie gelacht haben, aber jetzt sind es die Dinge, die uns dabei helfen, sie ein wenig zu mögen, und vielleicht sogar – kann das so sein? – dafür zu sorgen, dass sie über sich selbst hinwegkommen und die Liebe zueinander wieder entfachen, die offensichtlich immer noch in ihnen brennt.

Ein weiterer Vorteil der Öffnung des Formats der Show ist die Freiheit, Charaktere hinzuzufügen, die bleiben können, um Teil der Geschichte zu werden, wie die überaus lesbische Managerin ihrer neuen Wohnanlage (die bahnbrechende Queer-TV-Veteranin Amanda Bearse in einem urkomischen Zungenschlag). -frecher Auftritt) oder der gutaussehende Latino-Koch (Bryan Quiros), dessen Begegnung zwischen ihnen genau das sein könnte, was sie wieder zusammenbringt. Der größte Segen ist jedoch die Gelegenheit, die Stuart und Hara dadurch erhalten, ihre Charaktere zu vertiefen, ihre komische Wildheit loszulassen – jedenfalls gerade genug davon – und ab und zu einfach real zu sein. Das macht einen großen Unterschied, denn während die erste Staffel eine solide, witzige und köstlich bissige gute Zeit war, die es wert war, ein oder zwei Nächte lang zu fressen, hat sich die zweite Staffel so weit entwickelt, dass wir etwas deutlicher sehen können, dass sie auch ein Herz hat . Wenn man bedenkt, dass kurze Erzählungen von vielen Zuschauern immer noch wegen ihrer vermeintlichen Substanzlosigkeit missachtet werden, ist es keine Kleinigkeit, wenn man beweisen kann, dass solche Vorurteile unbegründet sind.

Wir wollen Sie jedoch nicht abschrecken. Herz oder nicht, es ist auch immer noch ein rasanter Ansturm von Zickereien und schlechtem Benehmen, der Sie gleichzeitig zum Schaudern und Lachen bringt. Auch wenn der Film großen Wert auf Diversität und Inklusivität innerhalb seiner erweiterten Besetzung legt, macht er auch Spaß daran, die Grenze in „politisch inkorrektes“ Terrain zu überschreiten und zeitgenössische Übersensibilität mit einer Art respektlosem Generationen-Humor aufzuspießen (Verwirrung über Pronomen, irgendjemand?) und kampflustiges Stereotyp, das bei Zuschauern, die zu jung sind, um sich an die Tage zu erinnern, ein paar Nackenhaare hervorrufen könnte, als solche transgressiven komödiantischen Schnörkel eine unserer größten Waffen gegen die maßlose Konformität des heterozentrischen Mainstreams waren.

Auf jeden Fall scheint es „Smothered“ nicht darum zu gehen, Menschen zu beleidigen – tatsächlich scheint es ihm geradezu Freude daran zu bereiten – und er lässt niemals zu, dass irgendeine Art von „Agenda“ den Fokus von dem absurd bösartigen Liebes-/Hass-Drama ablenkt, das sich in dem Film abspielt mittendrin. Da die spielerische Chemie zwischen Stuart und Hara, der scharfsinnige Schreibstil und die fein abgestimmte Schauspielerei den größten Teil ausmachen, ist das mehr als Grund genug, etwaige Vorurteile abzulegen und einen Sprung in den Pool der „Kurzformen“ zu wagen. In diesem Fall ist das Wasser in Ordnung.

Ein erfrischender Neuzugang in einem Genre, das nie genug Liebe bekommen kann

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Liebesgeschichten haben nie außerhalb der Saison, aber wenn es einen Zeitpunkt gibt, an dem sie willkommener sind als sonst, dann ist es die frühe Blüte des Frühlings.

Wir sprechen hier nicht von irgendwelchen Liebesgeschichten, sondern von der Art von kitschigen Wohlfühlgeschichten über Liebesgeschichten, über die die meisten von uns spotten, die aber insgeheim davon träumen, für sich selbst zu leben. Es überrascht vielleicht nicht, dass die gleichen Leute, die dieses oft geschmähte Subgenre mögen, auch Musicals mögen, und wenn das nach Ihnen klingt – vor allem, wenn Sie ein nostalgischer Millennial oder ein älterer Gen-Z-er mit einer Vorliebe für Musicals sind die Disney-Klassiker der 80er und 90er Jahre – dann herzlichen Glückwunsch: Sie sind die Zielgruppe von „Up Here“, Hulus neuer Serie über die junge Liebe an der Schwelle zum Jahr 2000!

Eine musikalische Romanze, die in den letzten Tagen von New York City im Jahr 1999 spielt und die Geschichte von Lindsay (Mae Whitman) und Miguel (Carlos Valdes) handelt, zwei Außenseitern, die ihren Erfolgsträumen nachjagen, sich verlieben und entdecken, dass, wenn es darum geht, gemeinsam ihr Glück zu finden, Ihr größtes Hindernis könnten sie selbst sein – oder zumindest die personifizierten Erinnerungen, die in ihren Köpfen leben und der tückischen Welt der Peinlichkeiten, Obsessionen, Ängste und Fantasien, die ihr Verhalten und ihre Entscheidungen beeinflussen, eine aufwendig orchestrierte und tadellos arrangierte Stimme verleihen.

Es ist nicht gerade ein neues Konzept. Von „Herman's Head“ bis „Inside Out“ und unzähligen anderen Iterationen dazwischen, die äußerst nachvollziehbare Idee eines „Komitees“ in unserem Kopf – oft bestehend aus Menschen, deren Anwesenheit in unserer Vergangenheit bedeutende Spuren hinterlassen hat –, die kommentieren und es versuchen Einfluss auf jedes Detail unseres Lebens hat der Bildschirmunterhaltung reichlich Treibstoff geliefert. Es mag vielleicht eine Floskel sein, aber egal, ob sie zum Lachen oder zum ernsthaften Nachdenken gespielt wird (es ist fast immer eine Mischung aus beidem, obwohl das Verhältnis stark variieren kann), diese Geschichten geben uns immer Anlass zum Nachdenken.

„Up Here“ ist da keine Ausnahme, aber es verfeinert und schärft seinen Reiz, indem es dieses Gericht mit reichlich musikalischen Metakommentaren serviert. Entwickelt und adaptiert von Steven Levenson mit dem verheirateten Songschreiberteam Kristen Anderson-Lopez und Robert Lopez, basiert es auf einem Musical von Letzterem aus dem Jahr 2015 – einem Ehepaar, das entweder gemeinsam oder einzeln mit anderen Schreibpartnern für die Komposition der Songs von „Avenue Q“ verantwortlich ist “, „Frozen“ und „Coco“, zusammen mit mehreren anderen äußerst erfolgreichen Musikunterhaltungen des letzten Jahrzehnts oder so. Kombiniert mit der Erfolgsbilanz von Levenson (der das Buch für Broadways „Dear Evan Hanson“ und das Drehbuch für „Tick, Tick… ​​Boom!“ aus dem Jahr 2021 geschrieben hat) und Co-Executive Producer Thomas Kail (Regisseur des 2020 verfilmten „Hamilton“ und Showrunner). Für die gefeierte FX-Bioserie „Fosse/Verdon“ verleiht das Lopez-Händchen für optimistische, mitreißende und ansteckend clevere Pop-Songs der Show mehr als genug Versprechen, dass jeder ernsthafte Musical-Fan mit an Bord sein wird, um sie zumindest zu geben eine Chance.

Wenn sie das tun, werden sie wahrscheinlich von Anfang an von einem schrulligen, augenzwinkernden Ton fasziniert sein, der es irgendwie schafft, ein nachhaltiges Gleichgewicht zwischen selbstbewusster Parodie und aufrichtiger Auseinandersetzung mit einer Kunstform zu finden, die, ehrlich gesagt, am Ende zu einer Kunstform wird Der Gegenstand vieler Witze derjenigen, die gegen seinen stilisierten Charme immun sind. Musical-Fans wissen, wovon wir reden, und wir spüren ihren Schmerz – aber wir kommen auch nicht umhin, die eher zynische Weltanschauung zu schätzen, die das Genre oft eher wie Wohlfühl-Pablum denn als ernsthaften künstlerischen Ausdruck erscheinen lässt. Unabhängig von der persönlichen Vorliebe für Musicals fällt es jedoch schwer, einen Ansatz nicht zu respektieren, der die inhärente Absurdität des Formats anerkennt und sich gleichzeitig kompromisslos der optimistischen Romantik verpflichtet, die es für eine Legion eingefleischter Liebhaber – und zwar für viele – so unwiderstehlich macht von denen, auch auf die Gefahr hin, ein Stereotyp aufrechtzuerhalten, zufällig queer sind, eine zusätzliche Perspektive, die sicherlich dazu beitragen wird, dass die Geschichte der Serie über die Liebe zwischen zwei eckigen Pflöcken in einer Welt voller runder Löcher für einen erheblichen Teil davon noch näher an die Heimat gelangt Zuschauer.

Es ist auch schwer, sich nicht von den Darstellern überzeugen zu lassen, die die Gelegenheit – und das zu Recht – freudig zu nutzen scheinen, auf der Leinwand ihr gesamtes dreifaches Können unter Beweis zu stellen, ganz zu schweigen von der Chance, Material vom zweifachen Oscar zu singen siegreiches Team Lopez. Whitman, eine ehemalige Kinderschauspielerin und Synchronsprecherin, die erfolgreich in „erwachsene“ Rollen überging (vor allem an der Seite von Christina Hendricks und Retta in der düsteren TV-Krimikomödie „Bad Girls“) und sich 2021 als pansexuell outete, wendet sich nun ihrer unkonventionellen Anziehungskraft zu in einen Anker für die manchmal weitreichende Wildheit der Show; Am Ende ihrer ersten Szene erobert sie unsere Herzen und wird von da an nur noch liebenswerter. Valdes bildet den perfekten Gegenpol zu ihrer unkonventionellen Underdog-Energie, der „König der Löwen“ zu ihrer „Kleinen Meerjungfrau“, einem ohnmächtigen, sensiblen, guten Kerl in Verkleidung, der nicht anders kann, als sein Herz auf der Zunge zu tragen, auch wenn er versucht, sich unter die Leute zu mischen mit den dämlichen Finanzbrüdern an seinem Arbeitsplatz. Katie Finneran, John Hodgman, Andréa Burns, Scott Porter, Sophia Hammons und Emilia Suárez bilden das Stimmenensemble in den Köpfen der Liebenden, von denen jede echte Menschen mit eigenen Hintergrundgeschichten verkörpert – was ihnen allen gelegentlich einen Moment im Rampenlicht beschert ermöglicht viele subtile Nuancen in ihren Darbietungen, da sie im wahrsten Sinne des Wortes als Refrain für die vorliegende „Dramedy“ dienen.

Was das Material selbst betrifft, so verfügt „Up Here“ über eine äußerst ausgefeilte, scharf filmische Ästhetik, die viel dazu beiträgt, jeglichen Widerstand gegen seine musikalischen Einbildungen zu mildern – und eine Songmusik wettzumachen, die zwar solide und für den Zweck geeignet ist, aber dennoch weitgehend frei von den auffälligen „Ohrwürmern“, die bei Musicalfans normalerweise große Punkte erzielen. Manchmal erinnert es an eine alberne Parodie wie „Schmigadoon“, manchmal ist es eher eine ehrfürchtige Hommage an die Leinwandmusicals des klassischen Hollywoods und wieder andere ähnelt es dem sublim dekonstruierten Antiromantismus der Meisterwerke der 60er-Jahre des französischen Autors Jacques Demy Von der Weigerung, auf sein Potenzial für den Lagerwert zurückzugreifen – auch wenn er gelegentlich absichtlich stark in diese Richtung tendiert –, indem er uns emotional in seine beiden attraktiven Hauptdarsteller fesselt. Es stellt außerdem sicher, dass ein gesundes Gleichgewicht zwischen musikalischer Fantasie und Alltagsrealität gewahrt bleibt, und begrenzt die großen, spritzigen Produktionszahlen auf zwei oder drei pro 30-minütige Episode.

Der wohl faszinierendste Aspekt der Serie ist jedoch ihre Erzählstruktur, in der sie uns Dinge durch die Erfahrung einer ihrer Figuren zeigt – einschließlich ihrer inneren Dialoge mit ihren jeweiligen mentalen Kritikern und Kommentatoren – und sie dann aus der Perspektive wiedergibt eines anderen. Auch hier handelt es sich nicht um ein innovatives Konzept, aber es sorgt für ein Musical, das den Raum hat, tiefer zu gehen als das nicht ganz zutreffende Vorurteil des Genres, wie es substanzloser „Flaum“ für möglich halten würde.

Ist das genug, um es für Leute attraktiv zu machen, die keine Musicals mögen? Es wäre verlockend, „Ja“ zu sagen, aber es lässt sich nicht leugnen, dass „Up There“ eine Show ist, die für eine bestimmte Zielgruppe gedacht ist. Wenn das NICHT nach Ihnen klingt, ist es wahrscheinlich am besten, wenn Sie es überspringen. Für den Rest von uns ist es jedoch ein erfrischender und überraschend zum Nachdenken anregender Neuzugang in einem Genre, das für unser Geld nie genug Liebe bekommen kann.

Camp Brave Trails ist ein in LA ansässiges Sommercamp, das einen sicheren Ort für LGBTQ-Jugendliche bietet, um Führungsqualitäten zu fördern und ihre Individualität zu feiern

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BURBANK – In der Sendung am Freitag sprechen die Gründer eines Camps für LGBTQ+-Jugendliche mit Kelly über das Camp und ihre Vision. Camp Brave Trails ist ein Sommercamp mit Sitz in Los Angeles, das LGBTQ-Jugendlichen einen sicheren Ort bietet, an dem sie Führungsqualitäten fördern und ihre Individualität feiern können.

Die Mitbegründer und Partner Jessica und Kayla erzählen, wie sich das Camp auf Führungsworkshops und Programme zur psychischen Gesundheit konzentriert und gleichzeitig alle traditionellen Camp-Aktivitäten anbietet, die man erwarten würde.

Außerdem sind Camper Ben und ihre Mutter Kathleen dabei, die erzählen, wie das Camp Ben geholfen hat, sein Selbstvertrauen und seine Leidenschaft für Modedesign zu finden, nachdem er 2021 seinen Vater an COVID verloren hatte.

„Es ist eine große Erleichterung, hier zu stehen und stolz zu sein und zu sagen, dass ich schwul bin und daran nichts auszusetzen ist – mein Enkel, er ist mein Fels.“

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NASHVILLE – Der aus dem Township Goshen im Clermont County, Ohio, stammende 21-jährige Jon Wayne Hatfield ist mit seinem Casting-Song „American Idol“ Ray gewidmet, seinem Großvater und besten Freund, der sich kürzlich als schwul geoutet hat.

Das Lied „Tell Me Ray“ half Ray, mehr an sich selbst zu glauben und lebenslange Unsicherheiten abzubauen: „Es ist eine große Erleichterung, hier zu stehen und stolz zu sein und zu sagen, dass ich schwul bin und daran nichts auszusetzen ist“, sagt Ray. „Mein Enkel, er ist mein Fels.“

Opa Ray sitzt auf der Klavierbank während Jon Wayne Hatfields bewegendem Vorsprechen, das von den drei Idol-Juroren, Country-Superstar Luke Bryan, Popstar Katy Perry und R&B-Pop-Superstar Lionel Richie, stehende Ovationen erhält.

Alexandra Billings über die zunehmende Repräsentation in Hollywood

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Alexandra Billings war schon mehrfach eine bahnbrechende Trans-Darstellerin, aber sie erzählt uns, dass ihre wiederkehrende Rolle als Inspector Ainsley Lowbeer in „The Peripheral“ – Amazon Primes Serienadaption von William Gibsons gleichnamigem Buch aus dem Jahr 2014 – eine persönlichere Premiere für sie ist ihr.

„Ich liebe Science-Fiction! Das ist wirklich mein Ding und so etwas habe ich noch nie zuvor gemacht!“

Die Serie wurde von Scott B. Smith kreiert, der zusammen mit den „Westworld“-Schöpfern Jonathan Nolan und Lisa Joy Co-Executive-Produzent der Serie war. Sie ist ein Mystery-Thriller, der nicht nur in einer, sondern in zwei Zukunft spielt. Hinter der deprimierend vorausschauenden dystopischen Geschichte der Protagonistin Flynne Fisher (Chloë Grace Moretz) liegt eine weitere, in der die überlebenden Überreste der Menschheit fortschrittliche Computertechnologie einsetzen, um in die Vergangenheit zurückzugreifen und sie zu verändern. Es steht viel auf dem Spiel – es droht eine Apokalypse – und ein komplizierter geheimer Krieg im „Black Ops“-Stil zwischen Fraktionen, die um die Kontrolle kämpfen, macht es noch höher. Selbst für jemanden, der nicht danach sucht, ist der allegorische Vergleich mit unserer eigenen Welt unübersehbar; Andererseits war Science-Fiction, richtig gemacht, schon immer ein erstklassiges Genre für soziale, kulturelle und politische Kommentare – und der Autor Gibson, dem weithin die Urheberschaft des gesamten „Cyber-Punk“-Subgenres zugeschrieben wird, weiß, wie man es richtig macht.

Billings sprach kürzlich mit The Blade unter anderem über die Show. Unser Gespräch ist unten:

KLINGE : Es ist erfrischend, dich in so etwas zu sehen. Wir sind es nicht gewohnt, in solchen Geschichten eine so starke Repräsentation zu sehen.

ALEXANDRA BILLINGS : Wenn es in der Vergangenheit Transgender-Charaktere in Science-Fiction-Filmen gab, waren wir normalerweise damit verbunden – es waren Cisgender-Charaktere, die Transgender spielten und die dann zu Transsexuellen wurden. Aber Lowbeer ist als Transfrau geschrieben. Das war außergewöhnlich und hat mich begeistert.

KLINGE: Sie ist eine sehr starke Präsenz.

RECHNUNGEN : Sie ist eine Art Führerin und sie hat auch große Kräfte – keine mystischen oder magischen Kräfte, sondern intellektuelle. Und das ist eines der wunderbaren Dinge an dieser Show, die ich hervorheben möchte – sie ist sehr frauenzentriert, sehr frauenlastig. Es geht um die Geschlechtsidentität, es gibt farbige Frauen, die über große Macht, Stärke und Intelligenz verfügen. Das sind kluge, witzige, kompetente und fähige Frauen. Keine Frau ist auf eine andere Kraft als ihre eigene angewiesen, um in der Welt dieser Geschichte überleben zu können, und ich denke, das ist auch wichtig.

KLINGE: Hätten Sie sich jemals vorgestellt, dass Sie eine solche Rolle in einem Mainstream-Hollywood-Projekt spielen würden?

RECHNUNGEN : Oh nein, Gott, nein. Als ich zum ersten Mal nach Hollywood kam, waren wir im Grunde zu fünft, ich und Candis und Laverne und Trace Lisette und ein paar andere Leute, und das war's. Jedes Mal, wenn es ein Vorsprechen für eine Trans-Person gab – was normalerweise einer von uns war, der im Krankenhaus war oder ins Krankenhaus ging oder sich darauf vorbereitete, ins Krankenhaus zu gehen, oder etwas, das mit dem Krankenhaus zu tun hatte –, taten wir das immer sich treffen. Schließlich gründeten wir einen kleinen Brunch-Club und dachten: „Lass uns nach dem nächsten Vorsprechen einfach zusammenkommen und ausgehen.“ Wir könnten genauso gut etwas zu essen haben.'

Damals gab es einfach keine Vorstellung von der Transgender-Erfahrung, weil Transgender keine dieser Shows schrieben. Man kann nicht zulassen, dass jemand, der noch nie eine erlebte Erfahrung gemacht hat, so tut, als hätte er diese Erfahrung gemacht, das ergibt keinen Sinn. Jetzt, da es in Hollywood mehr Trans-Autoren, mehr Trans-Produzenten und Showrunner gibt, beginnen sich die Dinge zu ändern. Aber das war ein Schock. Ich war schockiert, als ich von dieser Figur hörte, und wirklich schockiert, als ich das Drehbuch las. Es ist wirklich brillant.

KLINGE : Das ist nur ein Aspekt der Show, der zukunftsweisend wirkt. Glauben Sie nicht, dass das gesamte Konzept einer zukünftigen Welt, das unsere Gegenwart beeinflusst, wirklich zum Aufstieg einer jüngeren Generation passt, die bereit und bereit ist, das Steuer zu übernehmen?

RECHNUNGEN : Ich denke, was diese Show bewirkt, ist, dass sie Licht ins Dunkel bringt. Es ist eine Widerspiegelung einer menschlichen Erfahrung, die sich politisch und weltweit abspielt: die Übernahme der Gerechtigkeit, unserer Vorstellung davon, was für die Gemeinschaft hilfreich ist – und was nicht.

In den Vereinigten Staaten findet gerade ein ganzer Wandel statt, bei dem eine jüngere Generation – die Generation Z – sagt: „Mir gefällt nicht, wie viele Menschen im Land über die Stärkung von Frauen reden, mir gefällt nicht, was.“ Sie haben es getan, um weiblichen Körpern oder Entscheidungen die Autonomie zu nehmen. Mir gefällt die Art und Weise nicht, wie Sie über Geschlecht sprechen. Es gibt eine ganze Menge Sachen, die ich nicht mag, deshalb möchte ich dich raushaben.“ Deshalb kam es zu dieser „blauen Welle“ – wegen ihnen. Es gab diese ganze konservative Bewegung vor den Zwischenwahlen, die eigentlich die Macht übernehmen sollte, aber sie verpuffte einfach und starb. Ich denke, das ist nur die Spitze des Eisbergs.

KLINGE : Hoffen wir alle, dass Sie Recht haben. In einigen Teilen unseres Landes gibt es eine so entmutigende Reaktion auf die Rechte von Homosexuellen im Allgemeinen. Wir kämpfen immer noch darum, die Gleichstellung der Ehe zu wahren.

RECHNUNGEN : Wir haben eine ganze Gruppe Leute da draußen, die über „traditionelle Ehe“ reden. Das bedeutet nichts. Ich möchte ihnen sagen: „In diesem Container existiert nichts – wie weit zurück wollen Sie gehen, wenn Sie „traditionell“ sagen, wollen Sie dann noch wählen können? Hör auf, ein Idiot zu sein.'

KLINGE: Was würden Sie sich als jemand an den Fronten für die Zukunft der Trans-Repräsentation wünschen?

RECHNUNGEN : Wir müssen anfangen, Gespräche über die Transgender-Erfahrung zu führen, die so normalisiert sind, dass wir nicht mehr über die Transgender-Erfahrung sprechen. Wir brauchen eine Überfülle an trans- und nicht-binären Geschichten, an trans- und nicht-binären Autoren, Produzenten, Regisseuren, Schöpfern, Innovatoren, die ihre eigenen Geschichten erzählen – so viele davon, dass das cis-weiß-heteronormative Patriarchat endlich beiseite treten muss . Das ist es, was passieren muss.

KLINGE: Das scheint für die Menschen, die immer noch die Macht innehaben, schwer zu verkaufen zu sein.

RECHNUNGEN : Wenn ich so etwas sage, holt ganz Hollywood den Atem. Sie halten es für unmöglich. Sie können sich nicht vorstellen, dass das wahr ist, weil sie denken: „Was ist mit MEINEN Geschichten?“ Und ich?' Als gäbe es einen Mangel daran.

Schauen Sie sich Candace Cameron an, die Hallmark verlassen hat und gerade herauskam und sagte: „Ich werde die traditionelle Ehe auf meinem neuen Kanal ehren, und das sind die Geschichten, die ich erzählen werde.“ Sie sagt: „Diese beiden heteronormativen Cisgender-Menschen sind die Norm, darum werden wir einen Kreis ziehen.“ Das sind die einzigen Menschen, die vertreten sein werden. Das ist es, was wir sagen, dass jeder einzelne queere Jugendliche auf dem Planeten das Richtige für sich ist.“ Das ist die Botschaft? Also müssen alle anderen zur Seite gehen? Das macht Sie nicht zum Vorreiter, sondern zum Feigling.

KLINGE: Da fällt mir noch ein anderes „C-Wort“ ein.

RECHNUNGEN: (lacht) Das auch.

Sie können „The Peripheral“ auf Amazon Prime ansehen.

Die Anthologie zeigt Lederväter, Diven, Bäder und grausame Morde im Jahr 1981

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Es ist kaum zu glauben, dass „American Horror Story“ mittlerweile mehr als ein Jahrzehnt alt ist – und gleichzeitig fühlt es sich an, als wäre es schon ewig auf Sendung.

Es handelt sich wohl um die herausragende Leistung des schwulen Unterhaltungsmoguls Ryan Murphy, der hinter einigen der gefeiertsten, kontroversesten und amüsantesten Sendungen unserer Zeit steht. Es handelt sich um eine Show, die alle drei dieser Beschreibungen – oft gleichzeitig – erfüllt hat Jede Saison kommt eine Legion eingefleischter Fans zurück, um mehr zu erfahren. Das ist keine leichte Aufgabe, aber Murphys „AHS“-Moloch hat es dank seines Anthologieformats geschafft, sich elf Jahre lang am Laufen zu halten.

Außerdem war sie von Anfang an eine der queersten Fernsehsendungen.

Dies könnte das Offensichtliche sagen, wenn man bedenkt, dass Murphy in jeder Staffel typischerweise mehrere queere Handlungsstränge beinhaltet und eine Vielzahl von queeren Schauspielern beschäftigt, ganz zu schweigen von der Beibehaltung einer unverhohlen queeren Sensibilität in der Ästhetik der Show und der gelegentlichen Einbeziehung der ikonischen Diva. Wir erwähnen es hier nur, weil „American Horror Story“ in seinem neuesten Teil, der letzte Woche (pünktlich zu Halloween) mit zwei Episoden auf FX Premiere hatte, „schwuler“ geworden ist als je zuvor.

Der schlichte Titel „NYC“ ist vor dem Hintergrund des New Yorks von 1981 angesiedelt und konzentriert sich ganz auf die florierende Schwulengemeinschaft der Stadt. Wie jeder, der auch nur ein Grundwissen über die Geschichte der queeren Kultur hat, bereits weiß, ist es eine berauschende Zeit und ein berauschender Ort für einen schwulen Mann – aber es ist auch eine Zeit und ein Ort an der Schwelle zu einer bald bevorstehenden Verwüstung.

Für die meisten Charaktere der Serie ist AIDS jedoch noch nicht einmal ein Hauch am Horizont, zumindest noch nicht. Stattdessen sind sie mit einer Plage anderer Art konfrontiert: Eine Welle grausamer Morde an schwulen Männern hat einen wachsenden Haufen zerstückelter Leichen hinterlassen, und was die Sache noch schlimmer macht, das NYPD scheint nicht daran interessiert zu sein, etwas dagegen zu unternehmen – oder besser gesagt, die meisten von ihnen tun es. Patrick (Russell Tovey), ein versteckter Polizeidetektiv, drängt seine Vorgesetzten vorsichtig, die Situation ernster zu nehmen, aber das hat nicht ausgereicht, um sie zum Handeln zu bewegen. Es war auch nicht genug für seinen Geliebten Gino (Joe Mantello), einen überaus stolzen Journalisten, der die mysteriösen Morde zum Hauptanliegen seiner Zeitung gemacht hat und für den Patrick sich weigert, Informationen über den Fall weiterzugeben Die Angst davor, „geoutet“ zu werden, ist zu einem wunden Punkt in ihrer Beziehung geworden.

Die Pattsituation könnte jedoch kurz vor dem Ende stehen. Als ein junger Mann namens Adam (Charlie Carver) am Bahnhof auftaucht, um das Verschwinden seines Mitbewohners nach einer durchnächtlichen Fahrt auf dem Ramble zu melden, bricht Patrick zu Hause sein Schweigen und erzählt Gino von dem Vorfall, ermutigt ihn, die Geschichte weiterzuverfolgen und etwas zu geben ihm einen Hinweis geben, dem er folgen kann, und eine eigene geheime Untersuchung einleitet; Ebenso beschließt Adam, seinen vermissten Freund zu finden, nachdem seine Bedenken von der Polizei zurückgewiesen wurden, und verfolgt einen Hinweis auf Theo (Isaac Powell), einen aufstrebenden Fotografen, und seinen Kunsthändlerfreund Sam (Zachary Quinto), dessen Dunkle Geheimnisse können mit den Morden verbunden sein oder auch nicht. Unterdessen lauert irgendwo in der „Gayborhood“ immer noch ein Mörder, und die Zahl der Leichen steigt weiter.

Wenn Sie denken, dass die Geschichte – geschrieben von Murphy und seinem häufigen kreativen Mitarbeiter Brad Falchuk – eine Allegorie ist, in der die Jagd nach einem fiktiven Serienmörder (ein beliebtes „AHS“-Thema) als Metapher für die AIDS-Krise verwendet wird, dann sind Sie genau richtig sind wahrscheinlich nicht falsch. Das bedeutet nicht, dass AIDS in dieser „AHS“-Version der frühen 80er Jahre nicht existiert; Eine Nebengeschichte mit der Epidemiologin Dr. Hannah Wells (Billie Lourd), die bislang nur kurz zu sehen war, hat das Thema der Krankheit angesprochen, und es scheint, dass sie ein wichtiger Teil des Endspiels werden wird, das sich die Macher der Serie vorstellen.

Dieses Endspiel ist unklar. „AHS“ hat den Ruf, alles gegen die Wand zu werfen und zu sehen, was hängenbleibt; Fast jede Staffel ist mit einer provokanten Prämisse und einem faszinierenden Bündel an Ideen vom Start gegangen – und während einige ihr Potenzial auf spannende Weise ausgeschöpft haben, sind andere in ein zügelloses Durcheinander geraten (obwohl die Einschätzung der Zuschauer dazu sehr unterschiedlich ausfallen kann). , je nachdem, welchen Zuschauer Sie fragen), haben selbst die besten von ihnen normalerweise zugelassen, dass mindestens ein oder zwei Threads verstummten und verschwinden. „NYC“ könnte in diesem frühen Stadium in beide Richtungen gehen oder irgendwo dazwischen landen.

Zugegebenermaßen ist es sehr vielversprechend. Die Serie ist offensichtlich begeistert davon, einen entscheidenden Moment in der queeren Geschichte zu erkunden, und scheint sich an den Sehenswürdigkeiten, Geräuschen und Ereignissen im Manhattan der frühen 80er Jahre zu erfreuen. Es gibt Szenen in den historischen Bädern, komplett mit einer singenden Diva (natürlich Patti LuPone), die die Jungs zwischen den Treffen unterhält; Ein zum Impresario gewordener Künstler (Gideon Glick) veranstaltet eine riesige Party in einem verlassenen Lagerhaus am Pier, wo sich jeder, der jemand ist (oder jemals sein will), zu einer von Drogen und Disco geprägten Nacht voller Kunst, Mode und Mode trifft hedonistischer Spaß; Ein queerer Ältester im Quentin-Crisp-Stil (Denis O'Hare) hält in einer spärlich beleuchteten Kneipe Hof, und Macho-Männer treiben ein paar Straßen weiter in der Leder-und-Levi-Bar aggressive Frottage. Es ist die Art lebendiger und nostalgischer Zeitnachbildungen, für die Murphys Produktionen berühmt geworden sind – detailliert, farbenfroh, eindringlich und gerade glänzend genug, dass es sich wie ein liebevoll erinnerter Traum anfühlt – und es ist eines der Vergnügen, die Show zu sehen.

Gleichzeitig hat es etwas Beunruhigendes, diese Tarantino-artige Verzerrung einer Geschichte zu sehen, die einen so tiefen Nerv in der queeren Vorstellungswelt trifft. Mit einer Haupthandlung, die an eine Neufassung von „The Normal Heart“ auf wahre Kriminalität erinnert, und einer Galerie von Hintergrundcharakteren, die eindeutig neu interpretierte Versionen realer Figuren wie Robert Mapplethorpe, David Wojnarowicz, Klaus Nomi, Victor Hugo und mehr sind, Murphys und Falchuks kühner (manche würden sagen sensationslüsterner) Ansatz, das LGBTQ-Erbe in einer Horrorerzählung der Popkultur zu verschmelzen – und noch dazu an William Friedkins kontroversen Thriller „Cruising“ aus dem Jahr 1980 erinnert – könnte für das Publikum etwas zu nah an der Realität sein Betrachten Sie dieses spezielle Kapitel aus dem wirklichen Leben als schrecklich genug, auch ohne fiktive Ausschmückung.

Dennoch scheut sich „AHS“ nicht davor zurück, seine Fans zu verunsichern, wie es schon oft bewiesen hat – und das nicht nur mit Gore- und Schockeffekten, auch wenn es davon immer reichlich gibt. Seine Schrecken wurzeln in unserem gesellschaftlichen Zeitgeist, in unseren traumatischen Erinnerungen und in der großen Unsicherheit unseres Lebens im Hier und Jetzt.

„NYC“ – das zu einer Zeit kommt, in der Anti-LGBTQ-Rhetorik und homophobe Ideologien den hart erkämpften Fortschritt unserer Gemeinschaft allzu prekär erscheinen lassen – ist nicht anders. Bisher sind keine offen übernatürlichen Elemente aufgetaucht (obwohl sich das ändern kann), aber durch die Beschwörung von Gespenstern, die uns weiterhin verfolgen und in den Schatten um unsere sicheren Räume herumschweben, bis sie herausspringen und uns überraschen können, handelt es sich um eine Geistergeschichte. dennoch.

Es hat sogar das Potenzial, ein gutes Ergebnis zu werden, wenn Murphy und Co. weiterhin die Messlatte erreichen, die sie sich mit den ersten beiden Folgen gesetzt haben. Gemessen an der Erfolgsbilanz der „AHS“ haben sie ungefähr gleiche Chancen.

Schwuler Mann, der sich in die Krankenschwester seiner toten Mutter verliebt, während er darum kämpft, sich mit seinem älteren Vater zu versöhnen … der heimlich Pornoregisseur ist

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HOLLYWOOD – For Years to Come ist eine respektlose romantische Dramedödie über einen schwulen Mann, der sich in die Hospizschwester seiner toten Mutter verliebt, während er darum kämpft, sich mit seinem älteren Vater zu versöhnen, der heimlich ein Pornoregisseur ist.

Der neue halbstündige TV-Pilot unter der Regie von Micah Stuart wird Anfang 2023 auf dem Festival Premiere feiern. Der Autor und Schöpfer James Patrick Nelson spielt neben dem Film-/TV-Veteran Richard Riehle.

Stuart, ein Emmy-nominierter Redakteur, Autor und Regisseur, der in Los Angeles lebt, veröffentlichte den Trailer am Samstag vor der Premiere auf dem Filmfestival Anfang nächsten Jahres:

For Years To Come Trailer von Micah Stuart auf Vimeo.

Der Schöpfer und Starschauspieler James Patrick Nelson hat sich vor einem Jahr in einem Interview in meiner RATED LGBT RADIO-Show mit mir getroffen, um über dieses Projekt und Höhepunkte seiner Karriere zu sprechen.

„Eingeschränkte Repräsentation schürt verinnerlichte Homophobie“, behauptet Nelson. „Wie lernen queere Menschen, die bemerkenswerten Nuancen unserer Identität zu schätzen, wenn wir selten nuancierte, authentische Porträts von uns selbst auf der Leinwand sehen?“

Als preisgekrönter Filmemacher hat James sich und anderen in der Branche ein kreatives Ziel in Bezug auf LGBTQ-Charaktere gesetzt: Sie müssen „überaus komplexe, facettenreiche Menschen mit unendlich vielfältigen und unterschiedlichen Erfahrungen sein, und das haben wir verdient.“ gesehen, für alles, was wir sind.“

In der Sendung haben wir über diese bisherige objektive und queere Darstellung im Film gesprochen. Außerdem werden wir über sein neuestes Projekt For Years to Come sprechen.

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Rob Watson ist der Moderator der beliebten Hollywood-Radio-/Podcastsendung RATED LGBT RADIO.

Er ist ein etablierter LGBTQ-Kolumnist und Blogger, der für viele führende Online-Publikationen geschrieben hat, darunter Parents Magazine, die Huffington Post, LGBTQ Nation, Gay Star News, die New Civil Rights Movement und mehr.

Er fungierte als Chefredakteur für The Good Man Project, trat bei MSNBC auf und wurde in Business Week und Forbes Magazine zitiert.

Er ist CEO von Watson Writes, einer Agentur für Marketingkommunikation, und kann unter [email protected] erreicht werden.

Eine Show über eine Show, die das abgedroschene Mockumentary-Format aufgibt

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TV-Veteran Steven Levitan hatte bereits vor der Premiere von „Modern Family“ – einer Serie, die er gemeinsam mit Christopher Lloyd kreierte – im Jahr 2009 große Erfolge als Autor, Showrunner und Produzent. Diese Show erwies sich als kulturelles Phänomen. Er trägt dazu bei, die Darstellung von LGBTQ-Beziehungen im Fernsehen neu zu definieren und zu normalisieren, indem er ein schwules Paar in sein Ensemble aus Hauptfiguren aufnimmt und gleichzeitig zu einem langjährigen Fanfavoriten wird, zahlreiche Auszeichnungen (darunter neun Primetime-Emmys) gewinnt und für zahlreiche weitere nominiert wird bevor die letzte Staffel im Jahr 2020 ausgestrahlt wird. Selbst mit einem Lebenslauf, der Shows wie „Wings“, „Frasier“, „The Larry Sanders Show“ und „Just Shoot Me“ umfasst, muss dies als ein Triumph auf dem Höhepunkt seiner Karriere angesehen werden.

Jetzt ist Levitan mit einer neuen Show zurück,„Neustart“Der Film wurde am 20. September auf Hulu uraufgeführt und signalisiert von der ersten Pre-Credit-Sequenz an eine willkommene Rückkehr zu demselben rasanten komödiantischen Stil, der „Modern Family“ 11 Jahre lang auf jeder wöchentlichen Beobachtungsliste hielt – immer noch inklusiv, mit prominenten Queer Charaktere und Handlungsstränge, aber glücklicherweise ohne das Mockumentary-Format.

„Reboot“ ist eine gutmütig respektlose Sendung der Hollywood-Unterhaltungsmaschinerie mit „Crazy Ex-Girlfriend“-Star Rachel Bloom als Hannah, einer Fernsehautorin, die grünes Licht für ihren Pitch für eine Wiederaufnahme von „Step Right Up“ erhält beliebte Sitcom aus den frühen 2000ern. Es gelingt ihr, die Originalbesetzung davon zu überzeugen, ihre Rollen als „verrückte Familie“ der Serie trotz ihrer komplizierten Off-Screen-Geschichte erneut zu übernehmen, indem sie verspricht, die Show für ein zeitgenössisches Publikum anzupassen, den kitschigen, veralteten Humor zu eliminieren und zu einem anspruchsvolleren, realistischeren zu wechseln Ton. Bei der ersten Lesung am Tisch stößt Hannahs Plan für eine neu konzipierte Serie jedoch auf ein erhebliches Hindernis – die unerwartete Anwesenheit des Schöpfers der Original-Sitcom, Gordon Gelman (Paul Reiser), der seinen Einfluss in der Branche genutzt hat, um sich in die Mischung einzubringen Ein Showrunner und stellen Sie sicher, dass „aufgeweckte“ Vorstellungen von Comedy den Lachern nicht im Weg stehen.

Offensichtlich bietet dieses Szenario ein fruchtbares Feld für Witze über die kulturellen Konflikte, die im Jahr 2022 zur Realität geworden sind – vor allem im Zusammenhang mit den unterschiedlichen Einstellungen zwischen älteren und jüngeren Generationen, immer eine sichere Wahl für nachvollziehbare Komödien. Das „OK Boomer“-Sparring im Kern ist heutzutage allgegenwärtig, aber Levitan und sein Kreativteam kennen sich mit Comedy gut genug aus, um sie frisch wirken zu lassen – und ihr Geheimnis besteht darin, sicherzustellen, dass die Charaktere immer die Hauptattraktion sind.

In diesem Fall haben sie uns eine große Auswahl geboten. Neben Hannah und Gordon, deren Rivalität um die Zügel schnell zu einem Dorn im Auge ihrer Beziehungsdynamik wird, sind auch die Hauptdarsteller von „Step Right Up“ dabei: Reed Sterling (Keegan-Michael Key), ein in Yale ausgebildeter Schauspieler ließ den ersten Auftritt der Serie fallen, um eine Filmkarriere zu verfolgen, die jedoch nie zustande kam; Bree Marie Johnson (Judy Greer), ein einst beliebter Star, der das Showbusiness für eine inzwischen gescheiterte Ehe mit einem obskuren skandinavischen Herzog verließ; Clay Barber (Johnny Knoxville), ein „Bad Boy“-Stand-up-Komiker, der weniger für sein Talent als vielmehr dafür bekannt ist, ein Zugunglück zu sein; und Zack Jackson (Calum Worthy), ein ehemaliger Kinderstar, der offenbar Mitte 20 ist, ohne wirklich erwachsen zu werden. Abgerundet wird das Hauptensemble durch Krista Marie Yu als Elaine, eine junge Produktionsleiterin, die aus der Tech-Branche stammt und deren Inkongruenz im Showgeschäft für eine notwendige Außenseiterperspektive inmitten der sie umgebenden Showbiz-Theatralik sorgt.

Es gibt auch eine Vielzahl von Nebencharakteren – zum Beispiel eine Reihe von Autoren, die mit ihrer gemeinsamen Liebe zur Komödie auf urkomische Weise die Kluft zwischen den Generationen überbrücken, auch wenn sie über kulturelle Werte streiten. In groben Strichen gezeichnet, könnte man sie alle leicht als generische Tropen abtun, als Aktienzahlen, die an den neuesten kulturellen Zeitgeist angepasst wurden; Dass sie als voll verwirklichte Menschen und nicht als faule Stereotypen wirken, ist ein Beweis für Levitan und den realen Autorenraum, der dafür verantwortlich ist, sie zum Leben zu erwecken.

Es ist auch ein Zeugnis für die Schauspieler, die sie spielen. Key und Greer stehen in vielerlei Hinsicht vor der größten Herausforderung; Ihre Charaktere, die aus dem gleichen egozentrischen Stoff geschnitten sind wie so viele andere Parodien auf eitle und prätentiöse Hollywoodstars und eindeutig darauf ausgelegt sind, hinreißend unerträglich zu sein, wirken in den ersten Episoden einfach unerträglich. Im Laufe der Staffel ermöglichen es ihnen (und ihren Charakteren) glücklicherweise ihre Fähigkeiten als Darsteller, sich über die Fehler und Schwächen zu erheben und uns für sich zu gewinnen. Der stets zuverlässige Knoxville tut das, was er am besten kann – er zeigt seine eigene wilde Persönlichkeit – und erinnert uns gelegentlich daran, dass er kein schlechter Schauspieler ist, wenn er die Chance dazu bekommt; Worthy, ein ehemaliges Disney-Kind, das ebenfalls sein eigenes Image aus dem wirklichen Leben fälscht, bringt im Verlauf der Serie ebenfalls überraschende Mengen gewinnender Menschlichkeit zum Vorschein.

Was Bloom angeht, im Grunde die Hauptfigur, obwohl sie von einem Ensemble von Verrückten umgeben ist, so behauptet sie sich mit all dem gewaltigen Talent, das sie eingesetzt hat, um „Crazy Ex-Girlfriend“ zu einem überaus beliebten Kulthit zu machen; Sie muss eine stützende Kraft sein, während sie mit ihrem eigenen Wirbelsturm persönlicher und beruflicher Dysfunktionen zurechtkommt, und das gelingt ihr mehr als gut genug, um die Show zu verankern. Schließlich bringt Reiser seinen Status als ehrwürdige Sitcom-Legende ein, um seinem Old-School-Charakter eine angemessene Präsenz zu verleihen und ihn gleichzeitig viel vielschichtiger und sympathischer zu machen als den Archie-Bunker-artigen Rückfall, den wir von ihm erwarten.

Mit solch einer soliden Besetzung, die die Schwerstarbeit auf dem Bildschirm übernimmt, ist „Reboot“ in der Lage, sein satirisches Netz weit genug auszubreiten, um sich über unsere sich schnell verändernde Kultur lustig zu machen, ohne die wichtige menschliche Verbindung zu verlieren, die sein nie endendes Bombardement mit Einzeilern aufrechterhält – irgendetwas wofür Levitans frühere Shows weithin bekannt und bewundert wurden – aus dem Gefühl der Leere. Das bedeutet nicht, dass die Komödie jemals nachlässt; Im Gegenteil, selbst die zärtlichsten und bedeutungsvollsten Momente der Show – die uns oft angenehm überraschen – werden von zündenden Momenten unterbrochen. Und während sich die Serie stark an die unkomplizierte Atmosphäre anlehnt, die normalerweise beliebte Mainstream-Sitcoms auszeichnet, lässt sie sich auch auf komplexeren Ebenen spielen und holt viel komödiantisches Potenzial aus der unausweichlichen „Meta“-Qualität, eine Show über eine Show zu sein – Zum Beispiel wird die fiktive Serie, wie auch die echte, von Hulu produziert, nur eine dieser frechen Berührungen unter vielen, die sie subversiver und ikonoklastischer wirken lassen, als sie vielleicht wirklich ist.

Was „Reboot“ vielleicht noch mehr zugute kommt als die beachtliche Auswahl an Talenten, die es auf und hinter der Leinwand vorzuweisen hat, ist sein Format – und wir reden hier nicht nur über seine Entscheidung, auf die Mockumentary-Sache zu verzichten, eine meisterhaft innovative Taktik das ist inzwischen durch Überbeanspruchung müde geworden, selbst bei der Emmy-Favoritenserie „Abbot Elementary“. In der neuen Ära des Streaming-Inhalts fühlt sich die 23-teilige Staffel wie eine zunehmend veraltete Vorgehensweise an; Da nur acht Episoden zu bewältigen sind, ist die Wahrscheinlichkeit weitaus geringer, dass das Material (und unsere Geduld dafür) überstrapaziert wird oder dass uns die Ideen ausgehen und die Integrität der Serie durch unterdurchschnittliches Schreiben untergraben wird, nur um die Dinge aufzubessern.

Von dieser Last befreit, gelingt es „Reboot“, in jeder Episode der ersten Staffel zum Lachen zu bringen. Das allein reicht aus, um uns auf die zweite Staffel zu freuen.

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